QUETZALCOATL

"Quetzalcóatl". El hombre huracán", de la canadiense Lucie Dufresne, es una novela que narra la vida del primer vikingo que llegó a las costas del Golfo de México y se convirtió en uno de los mitos más grandes de la historia del país.

La obra de Dufresne, quien además de escritora es arqueóloga, describe el recorrido de Quetzalcóatl, desde Groenlandia hasta México, sus primeros años como prisionero, su ascenso al trono y su consagración como semidiós son algunas de las aventuras de este vikingo de barba roja.

El libro es de narración ágil al desarrollar con habilidad el paso del tiempo y de los sucesos, no sólo de la vida del personaje principal, sino también de las ciudades y de los otros personajes.

Es el año 1000. Después de haber pasado el invierno en una costa este de Norteamerica, una expedición vikinga lleva su exploración hacia el sur atrapado en un huracán, el barco dañado llega a un mundo desconocido: la tierra que hoy conocemos como México. solo dos hombres sobrevivientes al naufragio: Ari, uno de los hijos naturales de Erik el Rojo, y un esclavo cristiano, Melkolf.

El encuentro es tan grande para los viajeros del norte como para los indígenas del sur. Los primeros, que creían encontrar solo primitivos, descubren, estupefactos, una civilizacion que construye ciudades populosas y edificios imponentes; los toltecas están impresionados por la fisonomía, las armas de metal y los conocimientos de lis recién llegados del mar. convencidos del origen divino de Ari,lo llaman "Huracán".

Como nunca antes había sido contada. Lucie Dufresne, amparada en una seria y rigurosa investigación, narra la vida del primer europeo que llego a las costas del golfo de México y todo lo que ocasiono. Quetzalcóatl, el hombre huracán es una novela extraordinaria que describe el inimaginable recorrido de un hombre que se convirtió en uno de los mitos mas grandes de nuestra historia.

Sin duda una novela verdaderamente exquisita.

UN TRIBUTO AL SURREALISMO

Dalí nació el 11 de mayo de 1904, en el número 20 de la Calle Monturiol, en Figueras, provincia de Gerona. El hermano mayor de Dalí, también llamado Salvador, murió de meningitis tres años antes de su nacimiento, a los siete años de edad. Su padre, Salvador Dalí y Cusí, era notario de la ciudad, natural de Cadaqués, cuyo carácter estricto y disciplinario era suavizado por su mujer que apoyó los esfuerzos artísticos de su hijo. A los cinco años, sus padres le llevaron a la tumba de su hermano y le contaron que él era su reencarnación, hecho que llegó a creer. De su hermano, Dalí comentó: "Yo he vivido la muerte antes de vivir la vida. Mi hermano murió a causa de una meningitis, a la edad de siete años, tres antes de mi nacimiento... nos parecíamos como dos gotas de agua, sólo que con diferentes reflejos".

Dalí también tuvo una hermana, Ana María, que era tres años menor que él. En 1949 Ana María publicó un libro sobre su hermano, Dalí visto por su hermana.
Siguiendo el consejo de su madre Salvador asistió a clases de pintura con el maestro Juan Nuñez, posteriormente Dalí reconocerá que el desarrollo de su técnica se debió gracias a este maestro.
En 1916, Dalí descubrió la pintura moderna en una de sus vacaciones veraniegas en Cadaqués con la familia de Ramón Pichot, un artista local que viajaba frecuentemente a París. Al año siguiente, el padre de Dalí organizó una exposición de carboncillos en su casa, pero no fue hasta 1919 cuando Dalí realizó su primera exposición pública en el Teatro Municipal de Figueras.
En 1921, la madre de Dalí murió de un cáncer de mama cuando él sólo tenía dieciséis años. Tras su muerte, el padre de Dalí se casó con la hermana de su difunta mujer; Dalí se sintió un tanto ofendido por este matrimonio

En 1929 Dalí colaboró con el director de cine surrealista Luis Buñuel en el cortometraje Un chien andalou ("Un perro Andaluz"). Fue el encargado de ayudar a Buñuel a escribir el guión para la película y ahí conocío a su musa de inspiración y su futura esposa Gala Eluard Dalí o simplemente Gala. Nacida como Helena Dmitrievna Deluvina Diakonova, inmigrante rusa once años mayor que él, entonces estaba casada con el poeta surrealista Paul Éluard. Principalmente, era responsable de ayudar a Buñuel escribiendo el guión para la película. Dalí declaró más tarde, haber estado involucrado más profundamente en la filmación del proyecto, pero esto no está corroborado por relatos contemporáneos. En el mismo año, Dalí tuvo importantes exhibiciones profesionales y se unió, oficialmente, al grupo surrealista en el barrio de Montparnasse, en París(aunque, durante dos años, su trabajo ya había sido fuertemente influenciado por el surrealismo). Los surrealistas criticaron fuertemente lo que Dalí llamó el Método paranoico-crítico de acceso al subconsciente para mayor creatividad artística.

"OBRAS"

"MUCHACHA EN LA VENTANA"

Muchacha en la ventana es un famoso cuadro del pintor, pintado en 1925. El cuadro pertenece a la etapa formativa de Dalí, cuando el artista tenía veinte años y el surrealismo no había influido todavía de manera apreciable en su pintura.

Representa a la hermana del artista, Ana María, a la edad de diecisiete años, asomada a la ventana, de espaldas, en la casa de vacaciones que la familia poseía en Cadaqués, a la orilla del mar. Dalí realiza un trabajo de gran uniformidad cromática y sencillez en la composición, donde la muchacha nos introduce en el paisaje que ella contempla.
Claramente, los valores cromáticos de la obra son azules, al igual que en las obras tempranas de Picasso las cuales estaban formadas sólo por gamas de azules.
La muchacha sufre algunas desproporciones notables como sus pies, los cuales son muy pequeños. La hermana de Dalí aparece en otros cuadros contemporáneos y posteriores del pintor, pues fue la modelo del pintor hasta que conoció a Gala en 1929. La pintura estuvo en la primera exposición del autor en la galería Dalmau de Barcelona, en noviembre de 1925.

"EL ENIGMA DEL DESEO"

Fue pintado en Figueras, después del verano, en el taller de sastrería de la tía de Dalí, que era usado como estudio por el artista. Este cuadro fue uno de los escasos homenajes que Dalí dedicó a su madre, a la que nunca llegó a pintar en un cuadro. En el Sagrado Corazón, otra obra suya de 1929, el pintor también hace referencia a su madre. En el cuadro está escrita la frase: "A veces escupo por gusto sobre el retrato de mi madre", lo que escandalizó tanto a su padre que lo echó de casa. Dalí realizó un dibujo a pluma como estudio preparatorio para la obra que fue comprado junto con el Juego lúgubre por el vizconde de Noailles en la primera exposición del pintor en la galería Goemans.

En el cuadro aparece un paisaje desértico y extenso que se parece al gran llano de Ampurdán, el lugar de la casa donde Dalí pasó su niñez en Figueras. En el centro hay una enorme roca amarilla en forma de ala con dos agujeros grandes y numerosas cavidades pequeñas. En muchas de las aberturas está escrita la palabra "ma mère" ("mi madre" en francés). Este cuadro, mediante símbolos, no sólo hace referencia a su madre sino también a Gala mediante el león con las fauces abiertas que aparece en el extremo derecho superior del cuadro. El león aparece también en otras pinturas de Dalí como El gran masturbador, siempre anunciando un mensaje erótico y libido. En un extremo de la roca aparece una cabeza de perfil con un enorme párpado cerrado que aparece constantemente en otros cuadros surrealistas de Dalí como El gran masturbador y La persistencia de la memoria.

"EL GRAN MASTURBADOR"

Este cuadro tiene las características de toda su pintura surrealista y posee una unidad equilibrada a pesar del gran número de elementos que presenta. Refleja el malestar del autor que temía, incluso, perder la cordura. Tanto el título, como el motivo central no dejan dudas sobre las implicaciones sexuales del cuadro; el sexo era una de las obsesiones del pintor

En la pintura están retratadas todas las obsesiones del autor:

-El elemento principal es su autorretrato, mezcla de cabeza humana y rocas de la costa Brava de los alrededores de Cadaqués, que repetirá en muchos otros cuadros como La persistencia de la memoria y El enigma del deseo. Estilizado pero reconocible, se caracacteriza por su color amarillento, su gran nariz apoyada en el suelo y su cara alargada. Las pestañas largas representan la contraposición entre el sueño anodino de una consumación física irremediable y el sueño de que nuestros deseos se cumplan.

-El saltamontes, un animal que le provocaba terror desde su infancia y que se encuentra pegado a la boca de su autorretrato. Está en estado de descomposición, lo que atrae muchas hormigas que simbolizan la muerte.

-Un anzuelo como atadura a su familia que quería retenerle a su lado y volver a un modo de vida tradicional del que él da muestras de querer desprenderse definitivamente.

-El león como deseo sexual, con una lengua rosada como símbolo fálico.

-Unas piedras como su pasado.

-Una figura aislada como soledad.

-El tema de la masturbación aparece en la mujer que emerge de su retrato y cuyo rostro esta cerca de unos genitales masculinos escondidos en unos ceñidos calzoncillos.

-Un lirio pegado a la mujer que simboliza la pureza, una enrevesada forma de definir a la masturbación como la relación sexual más pura. El pistilo de la flor es, además, otro símbolo fálico.

-Como es normal desde que la conoció, Gala aparece representada, en este caso en la pareja que se abraza, donde ella se metamorfosea en una roca, recuerdo de los paseos que dieron por la playa.

"EL HOMBRE INVISIBLE"

Aunque la obra está inacabada y es un intento fracasado de crear una pintura buena, constituye el primer lienzo de Dalí que contiene una doble imagen. Aunque la pintura no satisfizo al artista, después siguió por el camino de los engaños visuales, creando algunas obras realmente buenas. Parece ser que la idea del cuadro le fue sugerida por un libro del antiguo Egipto cuyas ilustraciones había admirado desde niño. También está inspirada en las pinturas de Giuseppe Arcimboldo, pintor renacentista que pintaba rostros humanos a base de flores, frutas, plantas, animales u objetos.

Dalí consideraba al Hombre Invisible un fetiche paranoico, protector suyo y de Gala, su mujer. En la Vida secreta, Dalí describe al personaje como un individuo de sonrisa benévola, capaz de exorcizar todos sus temores y ponerlos en fuga. Sin embargo, más que en un hombre, Dalí pensaba en Lidia Noguer, una extravagante campesina de Port Lligat a quien él y Gala compraron su primera casa.
Este cuadro, del que se conoce también un estudio preparatorio, serviría para pintar algunos otros como España, La Metamorfosis de Narciso y El gran paranoico.

En el cuadro de Dalí, se puede ver una persona sentada, de proporciones gigantescas y prolongadas. La cabeza del individuo se forma con algunas sombras y relieves de construcciones y esculturas que se encuentran muy alejadas del espectador. Las nubes simulan el pelo y dos esferas azules, los ojos. El brazo derecho, que está inconcluso, está formado, en parte, por la espalda de la estatua de una mujer con un cuello desproporcionado.
El brazo izquierdo está formado por una columna y se delimita con el edificio negro que hay en primer plano a la derecha del cuadro. Esta estructura tiene, además, dos esculturas de mujeres diseccionadas y de distintos colores.
En medio en la parte inferior hay una especie de maniquí, el cual tiene una larga cabellera que asciende y se bifurca en su punta, definiendo así las manos del gigante. Las piernas están formadas por una cascada y una sección del suelo del mismo color azul.
Delante del maniquí hay un león dorado que se repite en muchas otras obras del artista. Hay otros elementos surrealistas del cuadro que sólo son ornamentales. A la derecha hay, en primer plano, un conjunto de esculturas satíricas: tres hombres y tres niños.
A la izquierda se halla una pilastra sobre la cual, hay una escultura de un perfil de mujer que se repite en muchas otras pinturas de Dalí. Más atrás hay una plataforma y, sobre esta, un caballo blanco. Finalmente, sobre la mano derecha del gigante hay una forma simétrica y extraña la cual parece estar diseccionada.

"LA TENTACION DE SAN ANTONIO"

En el cuadro se muestra a san Antonio Abad en un desierto, arrodillado y sosteniendo una cruz hecha con dos varitas para protegerse de las tentaciones que lo atacan, con el antiguo gesto del exorcismo. Estas son representadas por un caballo y una fila de elefantes, todos estos con sus patas alargadas de forma grotesca y cada uno cargando con una tentación.
San Antonio es representado como un mendigo, esta desnudo y despeinado y se apoya sobre una piedra. Delante de él hay una calavera.
El cuadro describe literalmente las tentaciones a las que el hombre normalmente cae:
Triunfo, representado con el caballo, el cual tiene sus pezuñas desgastadas y llenas de polvo. Este animal recuerda a los jumentos esqueléticos de los primeros cuadros surrealistas del autor.
Sexo, representado por la mujer sobre el primer elefante.
Oro y riquezas, representados por los dos elefantes sobre los que hay una pirámide y una casa de oro y dentro de esta última, un busto de mujer lo aguarda.
Más atrás, otro elefante carga un altísimo monolito sobre su espalda. Detrás de este y sobre las nubes, hay un castillo.
En el paisaje desértico, dos hombres discuten y al fondo, un hombre lleva de la mano a su hijo. Este último par de personajes también es representado en Vestigios atávicos después de la lluvia. Un ángel blanco vuela sobre el desierto.

"LA ULTIMA CENA"

El cuadro está muy relacionado con el número doce. La sala donde se encuentran Jesús y sus apóstoles es un dodecaedro. Al fondo de esta se vislumbra un paisaje al amanecer, aún cuando la cena fue de noche. Cristo, en el centro, parece estar predicando ante los discípulos, los cuales inclinan sus cabezas y rezan. Las apariencias de los discípulos son distintas entre sí. Cada uno porta una túnica distinta e inclusive parecen ser personas de distintas razas y países. Los trece personajes rodean una mesa de piedra sobre la cual hay un vaso de vino y un pan partido en dos.

Cristo no es representado como se acostumbra. Su pelo es claro y no tiene barba. Su túnica es la única que deja al descubierto su pecho. Observando con más detalle, vemos que Cristo es transparente en su parte inferior, ya que la barca que se encuentra en el paisaje puede verse a través de él.
Sobre todo el conjunto está el torso de Cristo, símbolo de su entrega al hombre, de su carne. Extiende sus brazos y al igual que el Cristo que se encuentra abajo, se difumina poco a poco.

"LA PERSISTENCIA DE LA MEMORIA"

La persistencia de la memoria, conocido también como Los relojes blandos es un famoso cuadro del pintor español Salvador Dalí pintado en 1931.

En el cuadro aparece la bahía de Port Lligat al amanecer. El paisaje es simple; aparece el mar al fondo y una pequeña montaña a la derecha. Hay tres relojes blandos y deformados, elementos que ya habían aparecido en una obra suya del año anterior, Osificación prematura de una estación. Dalí, según él mismo dice, se inspiró en el queso camembert a la hora de añadir los relojes al cuadro, relacionándolos por su calidad de "tiernos, extravagantes, solitarios y paranoico-críticos". Uno de los relojes cuelga en equilibrio de la rama de un árbol. Más abajo, en el centro del cuadro, otro se acopla a modo de montura sobre una cara con largas pestañas inspirada en una roca del cabo de Creus. La cara aparece también en otros cuadros del autor como El gran masturbador y El enigma del deseo. El tercero está, quizás, a punto de deslizarse por un muro. Sobre este reloj hay una mosca y sobre el reloj de bolsillo hay multitud de hormigas que no están ahí por casualidad (este tipo de reloj se lleva próximo a los genitales).
Los relojes, como la memoria, se han reblandecido por el paso del tiempo. Son relojes perfectamente verosímiles que siguen marcando la hora (supuestamente en torno a la seis de la tarde). Dalí dijo sobre el cuadro: "Lo mismo que me sorprende que un oficinista de banco nunca se haya comido un cheque, asimismo me asombra que nunca antes de mí, a ningún otro pintor se le ocurriese pintar un reloj blando".

BLACKMORE´S NIGHT

Blackmore's Night es un grupo de folk renacentista liderado por Ritchie Blackmore y Candice Night.


La historia de Blackmore's Night se remonta a 1990 cuando Ritchie, entonces guitarrista de Deep Purple conoció a Candice con la que compartía un apasionado interés por el Renacimiento.


Después de abandonar Deep Purple en 1993 y grabar un álbum con Rainbow llamado Stranger in Us All, en el que Candice intervino haciendo los coros, Ritchie comenzó a interesarse en la idea de llevar la música renacentista a un público contemporáneo.


En 1997 la pareja estaba preparada para empezar con su nuevo grupo. El nombre surgió de la unión de sus dos apellidos.
Uno de sus mas representativos discos es el "Shadow of the Moon" un clasico que no puede faltar en la coleccion. Ahora debo reconocer que Candice, con suvoz, me ha seducido, me imagino que como sedujeron las sirenas a Ulises en su viaje.










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EL FANTASMA DE CANTERVILLE

El fantasma de Canterville es un relato escrito por Oscar Wilde en 1887. Fue publicado por entregas en la revista Court and Society.

Es una parodia de los relatos de terror en la que un embajador americano Hiram B. Otis se traslada con su familia a un castillo encantado en Inglaterra.

Lord Canterville, dueño anterior del castillo, le avisa de que el fantasma de Sir Simon de Canterville pulula por el castillo desde que, este, asesinó a su esposa Lady Eleonore de Canterville. Pero, el Sr. Otis desoye sus advertencias. Así Míster Hiriam B. Otis y su familia habitan en la mansión en la que se burlan constantemente del fantasma.

En Oscar Wilde luchan las dos tendencias de la época victoriana. En él confluyen los inadaptados ecos del Romanticismo y el hipnótico placer del bienestar que otorga la riqueza; la voluntad de enfrentar a una sociedad conformista hasta sus últimas consecuencias y la necesidad de ser aceptado por ella. Una historia pequeña pero bastante digerible.

WOLFHOUND

Basado en el best-seller ruso del mismo nombre de Nikkolai Lebedev. Es una historia epica de brujeria y de guerreros que buscan venganza por la muerte de sus padres. es el titulo mas caro realizado en Rusia hasta la fecha. Varios criticos afirman que es una mezcla de el "Señor de los anillos", "Conan" Y "krull.

Fue condenado a muerte, pero logró sobrevivir para vengar el asesinato de su clan. El último miembro de la tribu de los Perros Grises se ha convertido en un valeroso guerrero al que conocen como Wolfhound. Tras burlar a una muerte segura, vive con un sólo deseo: destruir al implacable Maneater, el guerrero que aniquiló a los suyos. Cuando por fin se enfrenta y derrota a su acérrimo enemigo, libera a sus prisioneros y los acompaña a la ciudad de Galirad. El diabólico druida Zhadoba planea atacar Galirad en cualquier momento, por lo que su rey ha prometido en matrimonio a su hija a Vinitar, un joven guerrero que defenderá la ciudad. La Princesa Elen se dispone a viajar al país de su futuro esposo y pide a Wolfhound que sea su protector. Este acepta y pronto se ve envuelto en un torbellino de misteriosos acontecimientos durante los que descubrirá el verdadero propósito del peligroso viaje.

Muy buena pelicula que entretiene de principio a fin, y que me extraña que no haya salido al cine con los bodrios que salen hoy en dia, quiza por que los efectos especiales no son tan espectaculares como los de las peliculas de USA, yo creo que cumplen de sobra con su funcion y incluso alguna vez me han llegado a sorprender. La pelicula tiene una fotografia y argumento similar a el guia del desfiladero o beowulf, y aunque no tiene tantos fx, el guion de esta es mejor y la historia engancha mas y para ser una pelicula rusa es bastante espectacular. Por cierto el principio es casi calcado al de Conan.

Aunque despues de mas de dos horas de duracion quedas un poco cansado de la monotonia de la pelicula deja a uno total mente satisfecho.

OCTOBER PROJECT

October Project es un caso de grupo incomprendido, su primer disco es uno de esos trabajos que sin duda merecía una mayor repercusión en el panorama musical de 1994, año en el que lo publicó EPIC Records y en el que la revista Billboard lo definía como 'caviar para paladares sofisticados'. Si bien en su país, los Estados Unidos, sí que llegaron a tener unas buenas ventas de ese primer CD, su inconstancia, el abandono de la cantante original y el cruce de caminos de su propuesta musical les han hecho ser un grupo fantasma, excepto para un importante número de fieles seguidores, entusiasmados con la textura única de sus composiciones.
Cabe mencionar que una de sus canciones, 'TAKE ME AS I AM' , es una oscura historia de amor inspirada en la novela de Anne Rice Entrevista con el Vampiro. Esta banda no tiene un genero especifico, es un pop demasiado oscuro que no llega a encuadrarse en el folk ni por supuesto en el rock, aunque su imagen fuera un tanto gótica.
Los que ya lo conocen saben de lo que hablo, pero para los que no han escuchado October Project se quedaran con un buen sabor de voca.

CIEN AÑOS DE SOLEDAD

Cien años de soledad es una novela del escritor colombiano Gabriel García Márquez, quien obtuvo el Premio Nobel de Literatura en 1982, y es considerada una obra maestra de la literatura hispanoamericana y universal.

Narra la historia de la familia Buendía a lo largo de siete generaciones en el pueblo ficticio de Macondo. El pueblo es fundado por diversas familias conducidas por José Arcadio Buendía y Úrsula Iguarán, un matrimonio de primos que se casaron llenos de presagios y temores por su parentesco y el mito existente en la región de que su descendencia podía tener cola de cerdo. Pese a ello, tuvieron tres hijos: José Arcadio, Aureliano y Amaranta (nombres que se repetirán en las siguientes generaciones). José Arcadio Buendía, el fundador, es la persona que lidera e investiga con las novedades que traen los gitanos al pueblo (teniendo una amistad especial con Melquíades, quien muere en variadas ocasiones y que sería fundamental para el destino de la familia), y termina su vida atado al árbol hasta donde llega el fantasma de su enemigo Prudencio Aguilar con el que dialoga. Úrsula es la matriarca de la familia, quien vive durante más de cien años cuidando de la familia y del hogar.A lo largo de la novela, todos sus personajes parecen predestinados a padecer de la soledad, como una característica innata de la familia Buendía.

El pueblo mismo vive aislado de la modernidad, siempre a la espera de la llegada de los gitanos para traer los nuevos inventos; y el olvido, frecuente en los acontecimientos trágicos recurrentes en la historia de la cultura que presenta la obra.

Una novela que sin duda se quedara en nuestros recuerdos para toda la vida y lo leeran una y otra ves y nunca se cansaran.

SWEENEY TODD THE DEMON BARBER OF FLEET STREET

Aunque no soy muy fan de las peliculas musicales Tim Burton supo mantener mi interes hasta el final con un filme musical-gotico-victoriano y la lograda ambientación de un Londres lúgubre y sombrío, que podemos ver ya desde los primeros minutos, nos introduce a base de pinceladas de color, en una historia trágica, obsesiva, en donde la sed de venganza y la locura, alcanzan extremos de paroxismo. El brutal desarrollo del personaje principal, para convertirse en un despiadado asesino, lo seguimos paso a paso en los cambios de expresión de ese Benjamín-Depp, al que aún con todo, intentamos comprender.

Johnny Depp se levanta como el maestro del gesto expresivo, nadie como el para hablar tanto con una mirada o una mueca, además de no encasillarse en sus memorables personajes como Jack Sparrow, este Sweeney está más próximo a un Ed Scissorhands pero con un lado malo.

La musicalización y canciones son brillantes, Depp demuestra que también se le da eso de la cantada, pero lo más exquisito es la dirección de arte, la ya clásica sangre cuasi anaranjada y viscosa de Burton está de vuelta, los vestuarios y maquillaje son hermosos, de hecho casi podemos disfrutar en carne y hueso a los personajes de The Corpse Bride, y la paleta de colores es exquisita en especial cuando contrasta lo oscuro de los personajes con los brillantes colores en la fantasía de Mrs. Lovett.

Sin duda es una película digna de verse y una buena elección de Tim Burton de hacer mancuerna por sexta ocasión con Johnny Deep ya que con solo ver su rostro interpretando a Sweeney Todd puedes darte cuenta que por su cabeza pasan miles de cosas tanto positivas como negativas, y demuestra [al menos a mi] que es que es de los pocos actores que puede hacer cualquier papel, en cualquier genero.

Lo malo es que al final uno termina cantando todo lo que habla pero si les gusta Tim Burton haciendo mancuerna con Johnny Deep esta sin duda les encantara

LAS ENSEÑANSAS DE DON JUAN

Libro escrito por Carlos Castaneda. Se publicó por primera vez en 1968 en inglés y en 1974 en español. "Como Lázaro vuelto de la tumba" (dijo algún critico), un antropólogo narra la primera etapa del aprendizaje que lo convertirá en "hombre de conocimiento" bajo la guia de un brujo yaqui. Por diversos medios, don Juan sumerge a su discípulo en una "realidad no ordinaria", tan objetiva como la cotidiana pero totalmente distinta, inexplicable para nuestros esquemas de pensamiento pero no para la sabiduría antigua que el maestro transmite con impecable coherencia lógica poética. Así, al tiempo que socava la "descripción del mundo"en que Castañeda ha creído, don Juan propone otra vasta, maravillosa, terrible y con lecciones practicas, enseña a habitarla desde el nivel mas inmediato. Conforme pierde defensas, el aprendiz va experimentando el estado de ser al que lo llevan las enseñanzas, la "vida de guerrero", y sucumbe ante el primer enemigo de un hombre de conocimiento: el temor. No fue, sin embargo, una derrota definitiva: Castaneda reanudo su aprendizaje y ha publicado otros dos libros sobre el, considerados, como Las enseñanzas de don Juan, clásicos contemporáneos.

NO COUTRY FOR OLD MEN

Los hermanos Ethan y Joel Coen, nos presentan su nueva película No country for old men (Sin lugar para los débiles E.U. 2007) se confirman como unos de los directores más interesantes de los Estados Unidos y de paso le entran sin ningún empacho a las nuevas tendencias de la narrativa cinematográfica contemporánea, entregando una cinta que parece perfecta.

Basada en una novela homónima la cinta narra la desencantada historia del sheriff de un desolado pueblo en Texas, uno de esos chapado a la antigua que solía realizar su trabajo sin necesidad de llevar su arma, pero que en los tiempos modernos empieza a ser rebasado por líos de drogas, maleantes mexicanos, armas de todo tipo y gente sin escrúpulos, que parece, como dice su titulo original, este no es un lugar para los viejos.

La cinta se narra bajo un esquema de total minimalismo, el nivel narrativo lento pero firme y conciso, la convierten no solo en una cinta de vaqueros contemporáneos, sino en una fabula entera sobre los tiempos modernos plagados de violencia y sin sabores. El guión, al parecer perfecto, le da el mismo peso a las escenas dramáticas que a las secuencias de disparos y violencia, sin utilizarlas para mantener el interés del espectador, si no colocándolas en su justo lugar para continuar con la trama.
Sin lugar para los débiles funciona mejor como una alegoría que como una historia de vocación realista. Sólo así se pueden ver ciertas limitantes que tiene la película, como los insoportables y artificiales personajes de Tommy Lee Jones y Woody Harrelson o que el humor negro resulte inoportuno, aunque sí funcione de vez en cuando.
Cada asesinato es más contenido que el anterior, donde ni la cámara, ni la edición, ni la fotografía se inmutan ante la brutalidad del acto. El colmo de la subversión moral de los Coen: ver cada homicidio como el acto más natural del mundo.

El reparto completo, merecedor del máximo premio SAG, realiza un trabajo notable, comenzando por un desconocido Tommy Lee Jones, al que pocas veces hemos visto en un personaje tan realista, triste y solemne, cumpliendo con creces con el sobrio estilo de dirección actoral de toda la cinta. Pasando por el escalofriante Javier Bardem, quién con todo y su peinado tipo Willy Wonka ni siquiera parece parpadear mientras realiza impensables actos de crueldad y completándose el cuadro con Josh Brolin, Beth Grant y el sorpresivo Woody Harrelson, a quien últimamente se le ve poco. Para bien o para mal, una película de mentalidad evidentemente americana, con cimientos en su historia política y fílmica, así como en su geografía y sus paisajes. Un moderno western patológico y perturbado con los papeles prototípicos invertidos, sin centro moral, ni redención, ni futuro, ni esperanza.

En el centro de cada imagen soberbiamente estilizada por Roger Deakins se coloca Chigurh (Javier Bardem sensacional), acaso el depredador humano más aterrador que ha conocido el cine desde el Hannibal Lecter de Anthony Hopkins. Por primera vez se confirma el tan cacareado talento de Bardem: Chigurh no es un fantasma, es un auténtico monstruo. Y éste sí, está listo para transformarse en un despiadado Cobrador que vendrá a saldar todas las deudas, pasadas, presentes y futuras.

Aunque a muchos no les agrade la lentitud narrativa de la cinta y su aparente monotonía, esta es sin duda el mejor trabajo de los Hermanos Coen, quienes hacen a un lado por completo la parafernalia del cine Hollywoodense, capturan la idiosincrasia verdaderamente gringa del sur y entregan cinta fuerte y honesta. Sin duda lo mejor que he visto en lo que va del año.
La verdad es que mi única queja de la cinta es que los antecedentes de la historia son un poco ambiguos y al final me esperaba un epílogo que rellenara los pocos huecos del guión. No obstante, los hermanos Coen han perfeccionado el arte de relatar películas de este género. Han encontrado la fórmula perfecta para mantener un nivel de suspenso muy alto y a la misma vez rociar la historia con un poco de humor. Y yo, nunca me canso de la dosis.

ANTOLOGIA

Despues de la separacion de Madredeus, banda embajadora de la cultura portuguesa por todo el mundo nos deja algo para recordar esta es su "Antologia"sus grandes clasicos como, "O Pastor", "Haja o que Houver", "A Vaca de Fogo" y otros grandes exitos son capaces de materializar lo divino y despertar tantos suspiros y tan hondos como lo hace Madredeus.

Este grupo encabezado por Pedro Ayres Magalhaes y con una voz angelical de Teresa Salgueiro. El sonido de Madredeus es inconfundible, sutil, con la belleza de lo sincero. Cuando uno escucha a Madredeus y siente sobre el pecho, desnudo, una lágrima que quema, ésta no puede ser sino de dicha. y esto es lo que nos queda de un gran grupo musical y esperemos que algun dia regresen para endulzarnos los oidos de nuevo.

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SOY LEYENDA

Robert Neville es el único humano que ha sobrevivido a una guerra bacteriológica que ha convertido al resto de la humanidad en vampiros. Asediado en su propia casa se dedica a asesinar a tantos vampiros como puede durante el día.

Este clásico de la literatura de terror va más allá del género y nos plantea una reflexión acerca de la normalidad y de la soledad del individuo. Robert Neville pasa a convertirse en "lo extraño", en lo que está fuera del mundo convencional. ¿Que pasaría si todo el mundo fuera diferente a ti y solo tu fueras el raro? Richard Matheson traza una historia de terror perfectamente ambientada en un mundo post-apocalíptico, donde un hombre solo debe resistir, para que la humanidad no muera; aunque ello signifique el final de las demás criaturas de la tierra.
Pero la película soy leyenda (2007) no solo se basa en la novela del mismo nombre si no también en el guión de la película “El ultimo hombre vivo” (1971) escrita por John William Corrington y Joyce Hooper Corrington. Pero a pesar de toda su espectacularidad, Soy Leyenda fracasa en el tema más importante: los vampiros a los que se enfrenta Neville.

Si bien la primera vez que los vemos logran crear una de las secuencias más logradas y tensas de toda la película, resultan técnicamente decepcionantes, criaturas realizadas digitalmente y que parecen salidas de cierta película de momias. Pero lo peor de todo es que, inexplicablemente, han decidido mostrarlos como simples monstruos completamente desprovistos de humanidad, con lo que directamente se han cargado el centro temático de la novela de Matheson a un nivel que ninguna de las otras dos versiones había alcanzado. Para colmo, el final de la película desprende un giro pseudo-religioso completamente fuera de lugar y que en cierta manera termina alterando incluso el sentido del título de la novela.

Esto es una traición a la literatura, lo que nos queda es una muy buena película de acción con una primera mitad bastante recomendable. Buena para verla en un cine y apreciar su espectacularidad y mantener las esperanzas de que una futura adaptación de la novela satisfaga nuestras necesidades.

EL FIN DE LA ETERNIDAD

El fin de la Eternidad (The End of Eternity) es una novela de ciencia ficcion escrita por Isaac Asimov y publicada en 1955. La novela trata el tema de una sociedad capaz de viajar a través del tiempo y cuenta con abundantes elementos de misterio y thriller. Con la saga de las fundaciones, las historias de robots y Los propios dioses; esta novela constituye una de las más relevantes de Asimov. Los lectores más acostumbrados a la ciencia ficción moderna podrían encontrar el estilo de ésta novela algo anticuado y aburrido pero constituye un clásico de la ciencia ficción.

La Eternidad es una organización que existe más allá del tiempo. Está formada por los Eternos, humanos (únicamente masculinos) que se reclutan entre las diferentes épocas de la historia humana a partir del siglo XXVII. Los Eternos tienen la capacidad de, por medios tecnológicos, entrar y salir en la corriente temporal alterándola. Los Ejecutores son los encargados de alterar sutilmente el curso del tiempo protegiendo a la humanidad. Como consecuencia, la humanidad vuelca toda su capacidad de desarrollo tecnológico hacia el viaje a través del tiempo y abandona la búsqueda de las estrellas. De hecho, una de las misiones de los Eternos es sabotear cualquier intento de desarrollo de las tecnologías que permitirían el viaje interestelar.

En esta novela Asimov resuelve de forma brillante la paradoja temporal ¿Qué pasaría si retrocedo al pasado y, de alguna manera, provoco la muerte de mis abuelos? ¿Cómo puedo entonces estar yo vivo? La novela puede leerse como una sátira contra el utilitarismo o una crítica sobre el paternalismo excesivo por parte del gobierno.

XIV DARK CENTURIES

XIV Dark Centuries
...Den Ahnen Zum Grusse...
Perverted Taste
Alemania

Un álbum totalmente asombroso. Al oír la primera canción pensaba ya en una banda dedicada de lleno hacer Folk con letras sobre mitología, y me equivocaba por poco, su estilo Black/Death con letras de tribus paganas y la caída de thor. Con riffs al más puro estilo germánico hasta guitarras acústicas ambientando una gran batalla como “Teutonentanz” donde solo falta un coro de “Valhalla”. Es una buena banda, pero no tiene nada en especial muy parecido al estilo de “Enciferum” o “moonsorrow” pero lo que hacen lo hacen bien.
Cualquiera que le guste el pagan metal o el black melódico de seguro no los decepcionara

SCHRAMM

Una película brutal y sangrienta justo para los amantes del cine “Gore”. Presentado por Joerg Buttgereit, creador de "Nekromantik", trata de una asesino serial bastante retorcido llamado “Lotear Schramm” y nos muestra la mente de un psicópata todo eso resumido en pequeños flash back la película dura poco mas de una hora. Como de costumbre, Buttgereit proporciona imágenes llenas de locura visceral, de modo sangriento y vicioso. La cámara se mueve de forma natural y perfecta que te hace sentir como si te encontraras ahí. Y que les puedo decir del soudtrack, una magnifica banda sonora, muy sombrío y deprimente. Esta definitivamente es mi película de Buttgereit favorita.